La relació entre text i música

Per completar aquest breu repàs històric és obligat arribar al segle XX. Sent realistes cal reconèixer que resulta impossible abordar en unes poques línies la calidoscòpica realitat musical d'aquest segle. Els diferents autors han contemplat la qüestió de la prosòdia des dels seus diferents posicionaments estètics, les seves necessitats expressives i les seves particulars personalitats creatives. Dues de les propostes més importants i representatives són les presentades pels dos grans innovadors de la primera meitat del segle. A. Schoenberg i I. Stravinsky representen en molts aspectes dues opcions antagòniques o, almenys, radicalment divergents.

Durant els segles XX i XXI la relació entre música i llenguatge ve marcada per les múltiples tendències estètiques que es desenvolupen donant lloc a una diversificació total dels estils. En primer lloc es produeix una profunda divisió entre música culta i música popular (aquesta última experimentarà un auge com a conseqüència de l'impuls que rebrà per part dels nacionalismes musicals que revaloritzaran els materials folklòrics i els recursos de les cançons populars a partir de finals del segle XIX).

Encara que, com diem, al segle XX conviuen multitud d'opcions, en termes generals podem afirmar que en l'àmbit de la música vocal es produeix una recuperació de la fluïdesa en el discurs musical, una volta al recitat continu, al mateix temps que un alliberament de la rigidesa de la mètrica tradicional, conquerint de nou una gran llibertat declamatòria. Així mateix, es va constatar un interès sense precedents pels aspectes purament sonors i fonètics del text. Una visió que el despullava de tot contingut semàntic, simbòlic o retòric, i el reduïa a pur material sonor. D'alguna manera, es va produir el procés invers al barroc.

Mentre que els teòrics del segle XVII van convertir la música en un llenguatge retòric ala manera del  literari, al segle XX el llenguatge literari es va contemplar com una mera successió de sons amb potencialitats musicals. La Sequenza III per veu femenina (1965) de L. Berio és potser l'obra més representativa.

En la música culta, la música i el llenguatge es compliquen gradualment donant lloc a interessants i innovadores tècniques vocals com el Sprechgesang, un nou recitat, a mig camí entre el cant i la parla, representa una de les grans novetats pel que fa a mitjans d'expressió dins de la seva estètica expressionista de principis de segle. ideat per Arnold Schönberg al qual ens referirem més endavant.

Stravinsky, per la seva banda, va concebre el llatí de les seves obres religioses com una llengua monumental, atemporal, " estàtica ", i en certa manera inexpressiva. Idees que cal entendre com a exponents de la seva proposta formalista neoclàssica. 

Finalment, en la música popular, la música i el llenguatge es simplifiquen a mesura que avança el segle XX, produint- no obstant una enorme diversificació dels estils com pop, rock, punk, rap, reaggy, etc.

A continuació, farem una breu panoràmica de l'evolució que experimenta la música des de finals del XIX, perquè considerem que és impossible comprendre la situació actual de la música i el llenguatge, sense tenir en compte fenòmens tan transcendentals com el sorgiment dels nacionalismes musicals o l’expressionisme que donaria lloc a la ruptura amb la tonalitat, que era fins ara l' sistema que regia la composició en tota la música occidental.

El Romanticisme del segle XIX va experimentar una evolució estilística profundament lligada a la situació històric-política que vivia el vell continent. Així, van sorgir els estils nacionalistes com a resultat de la intensa recerca d’identitat nacional i de l'exaltació patriòtica d'alguns països considerats tradicionalment perifèrics pel que fa a cultura i música es refereix: Rússia, Hongria, Txecoslovàquia, Finlàndia, Noruega, Espanya, Anglaterra i els Estats Units assistiran a un florida del seu folklore, les seves tradicions i les seves llegendes que configuraran les seves particulars estils nacionals, plasmats magistralment en les obres de Balakire , Cui, Borodin, Mussorgski i Rimski - Korsakov a Rússia; Bartók i Kodaly a Hongria; Smetana, Dvorák i Janácek a Txecoslovàquia, Sibelius a Finlàndi ; Grieg a Noruega; Albéni, Granados i Falla a Espanya; Elgar, Vaughan i Holst a Anglaterra; Ives, Gershwin i Copland als Estats Units.

Aquests estils nacionalistes es van perllongar fins a començaments del segle XX, convergint amb multitud d'estils musicals diversos que van coexistir durant les dues primeres dècades del segle. Aquesta diversitat estilística posava de manifest la recerca d’una nova sensibilitat artística, la necessitat de nous vehicles d'expressió en una època convulsa, decadent i canviant que desembocaria en la Primera Guerra Mundial.

En aquest context, neix un corrent estètic que deixarà una empremta indeleble en la història de la música: l'expressionisme.

L'expressionisme

El moviment artístic conegut com expressionisme serà un fenomen multidisciplinari que es desenvoluparà en l'àmbit de les arts plàstiques, la literatura i la música, l'objectiu essencial serà expressar l'angoixa vital de l'ésser humà, els seus impulsos inconscients, les seves passions més violentes i els seus instints més primitius, amb una clara influència de les teories psicoanalítiques freudianes que estaven en voga . El seu origen apareix lligat a dos grups alemanys: Die Brücke i Der Blaue Reiter. Entre les files d'aquest últim s’aglutinen al voltant de 1911 artistes com els pintors Kandinsky, Kokoschka i Franz Mar , els poetes Stefan George o Richard Dehmel i els músics Schönberg, Alban Berg i Anton Webern. Tots ells presenten un tret comú en les seves respectives disciplines: els llenguatges artístics distorsionen la realitat mitjançant diferents recursos que pretenen expressar emocions exacerbades, la constant recerca d'una hiperexpresivitat que incideixi especialment en la tensió, el dolor, el macabre i el grotesc, en una deformació sistemàtica de la lògica , el que exclou tota funció referencial.

Considerem que Arnold Schönberg mereix un tractament a part dins del expressionisme, no només per ser un innovador transcendental per a la història de la música, sinó pel seu interès en teoritzar sobre diverses qüestions musicals, entre elles les relacions entre la música i el llenguatge, tema sobre el qual va escriure interessants articles que val la pena conèixer detalladament i als quals farem referència més endavant.

Com dèiem, el pioner de l'expressionisme musical i pare de l’atonalitat va ser Arnold Schönberg (1874-1951) qui després d'una breu època post-romàntica a la qual pertanyen les seves obres: Nit transfigurada, Pelleas und Melisande i Gurreliede , de les quals les dues primeres són obres instrumentals programàtiques (inspirades en obres de Richard Dehmel i Maerterlinck respectivament) i la tercera una cantata amb orquestra, en les quals ja observem l'interès de Schönberg per les obres vinculades a un text literari; cap a 1909 comença a experimentar un profund canvi estilístic que donarà lloc a la seva etapa atonal–expressionista (L’atonalitat o atonalisme propugnat per Schönberg consisteix en un sistema compositiu que nega categòricament els principis fonamentals del sistema tonal: nega l'atracció i supremacia de la tònica, la diferenciació i jerarquia dels graus, la supremacia de la consonància, les lleis cadencials i les relacions funcionals entre els acords. En canvi postula: l'abolició de la polaritat tonal, la equivalència dels dotze semitons de l'escala cromàtica i sobretot l'emancipació de la dissonància).

La seva primera obra d'aquesta etapa serà precisament El llibre dels jardins penjants Op 15 (1908) obra constituïda per quinze cançons compostes a partir de poesies expressionistes de Stefan George. D'aquesta mateixa època és el seu monodrama Erwartung (La espera, 1909 ) compost sobre un text dePappenheim, però la seva obra més interessant, qualificada per molts autors com una fita per a la música del segle XX serà Pierrot Lunaire Op 21 (1912) que és la musicalització de vint poemes surrealistes d’Albert Giraud  traduïts a l'alemany) per a recitant femenina i vuit instruments.

Aquesta obra introdueix un tipus de línia vocal a mig camí entre la declamació i el cant (Schönberg ho va denominar Sprechstimme o Sprechgesang que significa veu parlant o recitat entonat), l’entonació, d'altura aproximada, servirà per il·lustrar els aspectes més introspectius, delirants, macabres i psicoanalítics de l'expressionisme.

La preocupació de Schönberg per la relació entre música i text va quedar palès  no només en la seva profusa utilització d'obres literàries com a base per a algunes de les seves més  cèlebres composicions musicals, sinó que ell mateix va abordar el tema en alguns dels seus  articles que van ser reunits al costat d'altres escrits seus sota el títol de L'estil i la  idea.

La música popular

És important tenir en compte que paral·lelament al desenvolupament de la música culta durant els segles XX i XXI, es produeix un enorme auge i expansió de la música  popular, que es manté distant respecte a les complexes tècniques compositives  emprades per Schönberg i els seus successors, així com dels seus profundes elucubracions  sobre la naturalesa filosòfica de la relació entre música i text. Podem afirmar que  en el vessant moderna de la música dels últims segles, la relació entre música i  llenguatge es simplifica considerablement, però aquest fet dependrà en gran mesura del  estil o corrent musical a la qual al·ludim, atès que si alguna cosa caracteritza aquesta època és la  diversificació dels estils musicals pel que fa a música popular es refereix.

Per tant, considerem oportú fer un breu recorregut pels diferents estils musicals populars per analitzar la relació entre música i text en cada  un d'ells, determinant quin d'aquests elements preval en cada corrent musical.

En primer lloc, hem d'assenyalar que les arrels de la música popular que a partir  dels anys cinquanta s'expandirien per tots els continents tenen el seu origen i gran part de les seves influències en els estils musicals que es van desenvolupar als Estats Units a  partir de la fusió musical d'elements de les cultures africana i europea, especialment  del blues. Els esclaus africans van portar amb si les seves tradicions musicals que barregen amb els estils musicals europeus propis dels colons, donant lloc a  interessants estils i gèneres musicals, com ara les work songs (cançons de  treball) i els espirituals.

Com dèiem una de les primeres manifestacions d'aquesta nova cultura musical  negra són les cançons durant el treball, en les quals en principi el text no és el  important, sinó el ritme, ja que quan aquest s'accelera, s'accelera també el treball.

Segons Colin Cripps:

"Les cançons de treball es van inventar per ajudar a suportar l'avorriment de feines dures i monòtones. Tenien una pulsació regular que s'adaptava al ritme de les tasques. A les pedreres, o en les quadrilles que construïen carreteres, gran part del  treball es realitzava manejant pics, martells i pales que seguien un ritme  constant. Els cants de treball s'adaptaven a la velocitat dels martells i eren liderats per un membre de la quadrilla, al que després s'unien els altres. Aquesta és una forma de cantar cançons típicament africana".

Un altre gènere fruit de la barreja d'elements musicals africans (com la  polirítmia, la síncope i els patrons de pregunta-resposta) i elements musicals europeus (com les melodies dels himnes) van ser els espirituals, també coneguts  com a música gospel. Aquests espirituals eren cants religiosos en què la música servia  de vehicle al fervor religiós dels negres que alimentaven la seva esperança d'una vida  ultraterrenal millor i potser d'una possible alliberament com la del poble d'Israel.

Evidentment, en aquests cants el text cobrava una importància simbòlica, singular i  transcendent, mentre que la part musical era un mer embelliment extern del contingut.

No obstant això, si algun estil musical d'origen afro-americà va marcar definitivament el curs dels corrents musicals de la música popular, aquest va ser sens dubte el blues.

Per tant, en el blues trobem per primera vegada l'intèrpret compositor que  canta sobre els seus sentiments i interessos, de vegades denunciant injustícies socials, cantant a la tristesa, la pobresa o el desamor, temes que seran freqüentment  revisitats des de llavors. El cant aprofundeix en la seva essència poètica i guanya en lirisme.

El blues va ser el gènere musical que va obrir la porta a la revolució de la música popular de  masses que estava a punt de produir-se, i precisament aquesta revolució la suposaria l’aparició i desenvolupament d'un altre gènere molt deutor i hereu de les estructures del blues: el rock'n'roll.

"Per tant, podríem afirmar que el rock'n'roll va ser important per a la història de  la música no només com a estil musical (atès que en general aglutinava característiques de  estils preexistents i per tant no era especialment innovador en aquest sentit), sinó  especialment com a fenomen de masses.

En aquest corrent musical van resultar igualment decisives no només la part musical  sinó també l'estètica i els textos de les cançons que van ser essencials per empatitzar  amb les preocupacions juvenils i crear una identitat generacional com no havia  existit fins al moment. Quant a l'actualització dels continguts de les lletres de  les cançons Chuck Berry va exercir un paper fonamental.

En aquest estil musical el text adquireix novament rellevància encara que no per la seva  profunditat ni el seu lirisme, sinó per la seva capacitat de generar un fenomen d'empatia, admiració i identificació multitudinària, donant lloc a un incipient negoci  discogràfic basat en la popularitat i rendibilitat de l'artista com a producte, que perdura fins als nostres dies.

No obstant, aquest inèdit fenomen de masses va declinar progressivament a causa de  diverses circumstàncies cedint el pas a altres estils que també haurien de perdurar  fins a l'actualitat.

A principis dels anys 70, el pop va començar a dividir-se en diferents estils, cada  un amb els seus propis seguidors incondicionals i amb la seva pròpia forma de desenvolupar  els temes dels anys 60. Una cosa que van compartir molts dels estils va ser el  sentit de l'extravagància, amb els fans idealitzant als seus herois. Els concerts de  rock es van convertir en esdeveniments a gran escala, i de gran ostentació, que celebraven en enormes sales de concert, sorres o estadis esportius.

Entre aquests estils espectaculars i amb multitud de seguidors destaquen el heavy rock, basat en el virtuosisme instrumental (especialment de la guitarra, els sols es  s'expandeixen i acceleren) i en lletres de temàtica mística, mítica o fantàstica amb abundants  referències a obres literàries, o el glitter rock que va desaparèixer al voltant de 1975 donant pas a altres estils.

Potser l'estil més original i trencador de la segona meitat dels setanta sigui el  punk. I amb ell, el text va recuperar la seva supremacia sobre el virtuosisme instrumental.

Amb aquest estil conviurien entre d'altres el new wave que va ser en certa manera una  volta a la música pop especialment pel que als textos es refereix, encara que amb una  part musical més elaborada. El reggae, la música disco i el funk, van ser les branques  principals de la música negra als anys setanta.

La música reggae va adquirir un fort component polític, així com de denúncia i  protesta, de manera que el text prevalia sobre la música que en general es basava en  patrons molt senzills, aquesta senzillesa musical va contribuir a l'enorme difusió d'aquest  gènere.

Finalment podem afirmar que aquests estils musicals populars continuen  evolucionant i fusionant des del segle XX fins a l'actualitat donant lloc a  nombroses tendències com el rap, el house, la música indie, tecno, etc. encara perdura  igualment el seu caràcter de fenomen de masses, mentre que la música culta  contemporània ha anat convertint gradualment en un fenomen minoritari.