El barroc

El Barroc va conèixer la transformació dels instruments renaixentistes cap a models dinàmicament més flexibles i va veure aparèixer l'orquestra en el sentit modern del terme. Nascuda durant el segle XVI en ambients populars, la família del violí (violins, violes, violoncels) va aconseguir el seu grau màxim de perfecció constructiva al XVII, fins al punt que llavors van quedar fixats els models que, en el fonamental, han estat reproduïts durant els tres-cents anys següents, gràcies a la tasca de famílies d'artesans com els Stradivari i els Amati. Paral·lelament a ella va sobreviure a ple rendiment la fabricació de violes de gamba, extingides però cap al final del període. Els instruments de fusta van ser radicalment transformats per la família Hotteterre a la cort francesa de Versalles, apareixent llavors l'oboè, el fagot i la flauta travessera barroca. D'altra banda, se segueixen utilitzant instruments d'altres èpoques com el sacabutx, la trompeta i la trompa, tots dos sense pistons.

La música instrumental, que en l'època anterior va donar el primer indici en la música acadèmica, va tenir un auge sense precedents als segles XVII i XVIII, per primera vegada en la història, la música vocal i instrumental estaven en plena igualtat. Hi va haver una gran expansió en formes musicals, tècniques, intèrprets i compositors, que posseïen ja un profund coneixement de la tècnica dels instruments, al servei d'una forta expressió emocional: són típics testimonis com el de François Raguenet sobre el violinista Arcangelo Corelli qui, quan tocava en públic, "perdia el domini de si mateix".

Formes solístiques: preludis, tocates, fantasies i fugues

Els preludis, fantasies o tocates són peces per a un instrument solista (generalment de teclat) de caràcter improvisació, com a tals, solen ser rapsòdiques, carregades d'ornamentació, de forma i compàs poc definits i de textura variable 3. Aquestes peces improvisatòries solien anar seguides d'una fuga (a 2, 3, 4 o 5 veus): forma derivada de l'antic ricercare, en ella una breu melodia anomenada subjecte és presentada inicialment en cadascuna de les veus i desenvolupada després en contrapunt imitatiu.

Sonata

Igual que la paraula cantata designa una composició per a cant solista i baix continu, la paraula sonata designa en el Barroc una composició per ser "sonada", és a dir, per a un o dos instruments (sonata a solo o sonata en trio, respectivament) més l'habitual baix continu. La combinació més habitual incloïa violí, flauta travessera o oboè per a la o les veus superiors, més violoncel i un instrument d'acords (orgue, clau, arpa, llaüt ... ) per al continu: la seva textura mostra la polarització de veus típica del barroc. Derivada de la canzona del Barroc primerenc, la sonata solia dividir-se en tres o quatre moviments de caràcter i tempo contrastants: típica és la seqüència Llarg - Allegro - Adagio - Allegro.4

Les sonates destinades a l'església (sonate da chiesa) solien consistir en moviments de forma lliure, que incloïen algun fugat entre els ràpids. Les destinades a les sales civils  (sonata de camera) incloïen moviments de dansa bipartits, a la manera de la suite. Entre els més cèlebres autors de sonates estan Corelli, Vivaldi i Bach. A mitjans de segle XVIII la paraula sonata va designar també obres per tecla, com ara les més de cinc-centes sonates per clau de Domenico Scarlatti.

El concerto grosso

Va ser només a la fi del XVII quan es va consolidar el concepte d'orquestra, com a conjunt en el qual diversos instruments de corda interpreten a l'uníson una mateixa línia melòdica, de manera que una música escrita a tres o quatre veus (això és, en partitura de tres o quatre pentagrames) podia ser interpretada per un conjunt de fins a quinze o vint músics. Va néixer així la possibilitat d'alternar passatges per a la massa orquestral completa (tutti o concerto grosso) amb altres per als solistes del conjunt (concertino, habitualment format per dos violins i un violoncel). A les obres així escrites se'ls va anomenar concerti grossi.

Després de la seva primera aparició a l'escola de Bolonya, els concerti grossi van ser difosos per tot Europa gràcies a les publicacions d'Arcangelo Corelli, consistents inicialment en meres sonates en trio en què cada passatge era repetit pel tutti després de ser tocat pel concertino, les parts solístiques van guanyar en sofisticació i dificultat tècnica fins a diferenciar temàticament i musicalment de les parts orquestrals: va néixer així el concert solista virtuós en tres moviments (típicament Allegro - Adagio - Presto), fixat per Vivaldi i que va traspassar èpoques musicals al punt d'estar encara vigent com a forma musical. Importants centres del gènere instrumental concertant van ser Mòdena, Bolonya i Venècia.

La Suite

Una suite és una successió de moviments o peces de dansa que s'interpreten seguides (en francès, suite). La seva seqüència mínima clàssica incloïa:

    Allemande: dansa alemanya de compàs quaternari i tempo moderat.

    Courante: moviment que generalment és una mica més ràpid que l'anterior, de compàs ternari i freqüents hemiòlies.

    Sarabanda: dansa lenta de compàs ternari que accentua característicament el seu segon pols, d'origen espanyol.

    Giga: dansa ràpida en diversos compassos de subdivisió ternària, d'origen irlandès.

A les que es podia afegir una obertura inicial més altres danses després de la giga, triades lliurement, com ara:

    Minuet: de compàs ternari semblant al del vals. La suite sol contenir dos minuets aparellats.

    Rondó: petita peça basada en la repetició d'un tema (A), amb intrusions (B, C, D, etc. ) .

De caràcter aristocràtic, vigorós rítmicament i molt sofisticat en l’aspecte melòdic, la suite va sorgir dels ballets de cour de la cort francesa de Versalles i va acabar infiltrant-se en tota la música instrumental francesa, alemanya i fins i tot italiana, tant per a instruments solistes (clave, llaüt) com per a grups de cambra o conjunt orquestral. La seva transformació en música de cambra va estilitzar les seves peces a partir del caràcter ballable.